Mireia Ruiz, Künstlerin

«Auch bei gutem Design können Emotionen entstehen»

Mireia Ruiz ist eine bildende Künstlerin, die in ihrem Atelier in Barcelona lebt und arbeitet. Heute widmet er sich seiner künstlerischen Leidenschaft und beschäftigt sich mit der Verwendung von Farbe als Kommunikationsmittel.

Sie haben Grafikdesign studiert, sind aber vor allem Autodidakt, stimmt das?
Meine Ausbildung ist Grafikdesign, aber ich habe mir in verschiedenen Bereichen wie Fotografie, Produktszenografie und bildender Kunst autodidaktisch etwas angeeignet. Ich betrachte mich als neugierigen Menschen und lerne gerne neue Techniken und Werkzeuge, um meine Ideen und Projekte umzusetzen. Als Lehrerin begegne ich Schülern, die darauf bedacht sind, zu überprüfen, ob ihre Studienwahl die richtige war. Als etwas Unerschütterliches versuche ich, ihnen meine Erfahrungen als Beispiel zu geben. Es ist normal und sollte nicht beängstigend sein, dass ein Mensch im Laufe seines Lebens seinen Beruf wechseln und neue hinzufügen kann.
Wissen.

Heute unterrichtet er Kurse am IDEP. Wie sieht es auf der anderen Seite aus?
Ich beobachte viele Ängste, vor allem Misstrauen gegenüber ihren kreativen Fähigkeiten. Ich konzentriere mich sehr darauf, diesen Teil zu stärken. Ich versuche, sie auf ihre Stärken aufmerksam zu machen und nicht nur auf ihre Schwächen. Und ich beharre darauf, dass es ein Langstreckenrennen ist, die Schule ist eine Ausbildung für die Arbeitswelt. Ich lege viel Wert auf Selbstprojekte, um zu zeigen, wozu man fähig ist, ohne auf den perfekten Auftrag warten zu müssen. Diese unerwarteten Ergebnisse, die aus der eigenen Unruhe resultieren, können Kunden anziehen, die von dieser Frische und Beständigkeit verführt werden. Beständigkeit ist in der kreativen Welt von entscheidender Bedeutung. Ich glaube, dass diese Facette der Grund dafür ist, was ich in meiner beruflichen Laufbahn erreicht habe.

Für Sie ist Farbe sehr wichtig. Weil?
Farbe ist eine visuelle Sprache, die die Stimmung der Person beeinflusst, die sie wahrnimmt. Aus diesem Grund interessiere ich mich für die Erforschung der verschiedenen Farbbereiche und dafür, wie Menschen auf Farben reagieren. Besonders bei den gesättigtsten Farben, die viele Emotionen hervorrufen und beunruhigen können; Im Gegenteil, neutrale oder analoge Bereiche entspannen und sorgen für eine angenehmere Umgebung.
Ich betrachte mich als Kind der 80er Jahre und die Explosion der Farben hatte einen großen Einfluss auf mich, sei es in der Welt der Mode, der Grafik oder der Möbel. Ich behalte gern ein Buch der 1981 gegründeten Memphis-Gruppe, bestehend aus Designern, Architekten und Grafikern aus Mailand, die sich um den großen Ettore Sttsass versammelt haben. Sie markierten die Explosion leuchtender Farben und vereinten ungewöhnliche Formen und Materialien, die Sie in einer provokanten und kreativen Umgebung zum Träumen bringen.
Und auf viel spezifischere und persönlichere Weise prägte Farbe meine gesamte Kindheit, da meine Mutter mich von Kombinationen in meiner Kleidung besessen hatte. Ich hatte Turnschuhe in fast jeder Farbe, die zu bestimmten Artikeln in meinem Kleiderschrank passten. Für mich war Farbe ein tägliches Spiel, und in meiner Jugend gab es Zeiten, in denen ich mich komplett in Blau, Rot, Rosa kleidete ...
All diese Erfahrungen und Einflüsse fließen in meine Arbeit ein. Die chromatische Wahl in meinen Projekten ist von grundlegender Bedeutung, ich denke normalerweise viel darüber nach, und dieser Wahl bleibe ich treu, bis sie fertig sind, ich nenne es „den Farbpakt“. Ich denke, der Schlüssel liegt darin, keine Angst vor Farben zu haben und sie zu spüren, ganz abgesehen von der Bedeutung, die unsere Kultur ihnen geben kann, da sie uns beeinflussen kann. „Jede Farbe, egal wie sehr man sie hasst, wenn man sie übt, kann man sie am Ende lieben.“ Diese Überlegung stammt von Josef Albers, einer Referenz in der Farbpraxis, die er in seinem Buch „Color Interaction“ erwähnt, und er hat Recht.

Wir beschäftigen uns ständig mit Design, aber Kunst ist persönlicher. Denken Sie, dass Kunst immer Emotionen wecken sollte?
Design hilft uns, eine Botschaft zu kommunizieren, hilft uns, Lösungen zu finden, und hat eine bestimmte Funktion. Es beschränkt sich auf den Auftrag, die Kommunikationsbedürfnisse des Kunden und das Verständnis des Empfängers, es ist das Verbindungskabel und es muss funktionieren. Andererseits ist Kunst auf der Grundlage der Botschaft des Künstlers strukturiert, kann aber im Gegensatz zum Design weniger explizit sein und dadurch viel freier wirken. Das heißt, es gibt eine Botschaft, aber die Mittel, sie zu übermitteln, können so unauffällig sein, dass wir deshalb von „Gefühl“ sprechen. Wenn wir darüber nachdenken, sind Gefühle komplexer und können subjektiv sein, gleichzeitig kann Kunst je nach Empfänger unterschiedliche Gefühle wecken und sogar zu persönlichen Reflexionen auf der Grundlage der Arbeit des Künstlers führen. Für mich haben Kunst und Design eine Botschaft, aber im Design ist sie deutlicher und in der Kunst intuitiver, der Künstler lässt einem eine gewisse Interpretationsfreiheit, wodurch Gefühle oder Emotionen entstehen können. Ich denke, dass es in der Welt der Kunst nicht darum geht, Emotionen in Grenzen zu halten, Emotionen können auch angesichts von gutem Design entstehen. Um bestimmte Kunstwerke zu erklären, ist es jedoch einfacher, mit Gefühlen über sie zu sprechen, insbesondere wenn es um abstrakte Kunst geht.
Es handelt sich um ein recht komplexes Thema, denn obwohl Kunst und Design nicht dasselbe sind, berühren sie sich doch bei vielen Gelegenheiten. Und die Freiheit, die die Kunst genießt, erleichtert das Experimentieren mit neuen Bildsprachen, was die Welt des Designs befruchtet.
Wenn sie mehr Hand in Hand arbeiten würden: Kunst, Design, Technik und Wissenschaft, könnten viele Projekte kreativer, funktionaler und emotionaler gelöst werden. Ich beziehe mich darauf, da es immer eine Tendenz gibt, Berufsprofile zu trennen, was am Mit Media Lab in Massachusetts praktiziert wird.

In seiner Biografie sagt er, dass seine Hauptmotivation darin besteht, „meine Werke mit Farbe zu malen, um eine positive Botschaft zu vermitteln und ein Paralleluniversum zu entwickeln.“ Wie würde dieses utopische Universum aussehen?
Ein utopisches Universum wäre einfühlsam, freundlich, respektvoll, friedlich … all diese Eigenschaften, die uns gut machen. Dieser Ort entsteht in unserem Kopf, wir können die Gegenwart verbessern und sie der Utopie näher bringen. Obwohl die Realität so komplex und hart ist, dass man sie sich nur schwer vorstellen kann, denke ich, dass ich deshalb durch meine Arbeiten meinen eigenen Ort baue. Farbe ist das visuelle Werkzeug, das diese Positivität vermittelt, die aus der reinen und authentischen Natur entsteht und mich von der Dunkelheit distanziert, die wir in uns tragen. Wir leben mit Leid, Gier, Individualismus und einer ganzen Reihe von Leiden, die uns gleichzeitig zu Menschen machen. Wir sind Gut und Böse, wir üben Gut und Böse aus, dieser Kräftekampf hat ein Ende. Ich habe keine Lösung, ich bin kein Wissenschaftler, ich bin kein Politiker, ich habe keine nennenswerte Position im Vorstand, aber ich kann durch meine Arbeit eine gewisse Energie ausstrahlen.

Seine Arbeiten sind meist bildnerisch, Acryl auf Leinwand, aber auch auf Papier oder Holz. Inwieweit sind Materialien wichtig?
Materie ist wichtig, weil sie greifbar und begrenzt ist. Ich habe schon immer gerne mit Farbe gearbeitet, weil sie eine transformative Kraft hat. Ich male Objekte, die ich finde oder rette, und gebe ihnen eine weitere Chance. Wir neigen dazu, viele Materialien wegzuwerfen und können uns diesen Luxus nicht leisten. Eine Aufgabe, die ich liebe, ist die Arbeit mit Resten, Holzstücken oder Holzresten. Holz ist ein edler, endlicher Werkstoff, der Zeit zum Wachsen braucht. Es tut mir weh, Stühle, Bretter und Möbel im Müll zu sehen, also versuche ich, sie zu sammeln und in Collagen zu verwandeln. Es ist eine Art und Weise wie so viele andere, das Material wiederzuverwenden, denn im Gegensatz zur Leinwand, auf der ich festlege, was ich will und wie ich es will, kommt es bei diesem anderen Prozess nicht darauf an, was ich will, sondern darauf, was ich habe, was angeboten wird Mich. Aus diesem Grund weiß ich nicht, wie die Arbeit am Ende aussehen wird, es hat einen Überraschungseffekt für mich, ich entscheide nicht über einen Teil der Arbeit, sie baut sich auf meinen Entscheidungen auf, aber ich kann sie nicht vollständig kontrollieren . Das bringt mich auch irgendwie dazu, mit den Prämissen der Perfektion zu kämpfen, kein Fehler, kein Experimentieren und keine Kontrolle ... was erdrückend sein kann.

Er hat vor allem in Gruppenausstellungen ausgestellt. Ist es für einen Künstler schwierig, seine Werke einzeln auszustellen?
Eigentlich waren die Vorschläge, die ich erhalten habe, kollektiver Art, und andererseits habe ich nicht vorgeschlagen, eine Einzelausstellung zu machen. Es ist eine eher persönliche Angelegenheit, glaube ich, aus Mangel an Selbstvertrauen und Zeit, da ich meine künstlerische Seite immer mit der des Designs oder der Fotografie kombiniert habe, weshalb ich mich nicht auf die Erstellung einer Ausstellung konzentrieren konnte, die sich auf Folgendes konzentriert Thema und eine Reihe von Werken, die es zum Ausdruck bringen. Die gute Nachricht ist, dass ich es dieses Jahr erreichen möchte und wenn alles gut geht, werde ich am Ende des Jahres meine zweite Einzelausstellung in Barcelona haben.

Finden Sie, dass Kunst nicht ausreichend geschätzt wird? Das heißt zum Beispiel auf schulischer Ebene ... Oder auf sozialer Ebene bestimmte künstlerische Erscheinungsformen wie Street Art ...
Zeichnen ist das erste Kommunikationsmittel, das wir als Kinder nutzen, noch vor der Sprache. Wenn man erwachsen wird, legt man eher Wert auf Technik und lässt Freiheit und Experimente außen vor. Deshalb hört man die Leute immer sagen: „Ich kann nicht zeichnen“, ich denke, es wäre richtiger zu sagen: „Ich mag es nicht oder ich mag es.“ In akademischer und gesellschaftlicher Hinsicht lehrt man einen, dass man nicht mehr nützlich ist, wenn man Proportionen oder Licht nicht gut reproduziert, insbesondere den Realismus. Für mich ist das ein Fehler, der mich persönlich konditioniert hat, es gibt viele Möglichkeiten, sich künstlerisch auszudrücken.
Kunst ist nicht der Beruf, der den besten Ruf genießt, wir alle kennen das elende Leben vieler Künstler und kennen sogar die erfolgreichen Karrieren einiger der berühmtesten. Das passiert sicherlich auch in anderen Berufen, aber Kunst hat, wie er betont, nicht den gleichen Wert.
Vielleicht hängt es mit dem Wert zusammen, der der Kultur beigemessen wird, wenn wir wissen, dass wir alle Kunst fühlen, sehen, interpretieren und genießen müssen. Apropos Straßenkunst, die ärgerlich sein kann, wenn sie nicht mit Genehmigung ausgeübt wird: Ich denke, wenn die Wandmalerei in den Städten gefördert würde, könnten wir ein Freilichtmuseum für alle haben, das die grauen Straßen mit Leben und Besinnung füllen könnte.

Erinnern Sie sich an etwas Besonderes von Ihren Kunden und Kooperationen?
Die Zusammenarbeit, die mir besonders in Erinnerung geblieben ist, ist die mit der australischen Marke Gorman Clothing. Jede Saison arbeitet er mit einem Künstler zusammen und kreiert aus deren Arbeiten eine limitierte Kollektion. Es war unglaublich zu sehen, wie sich meine Bilder vom Sitzen an der Wand über das Stillsitzen in Drucke verwandelten und mit der Mode zum Leben erwachten. Eine Erfahrung, in die ich mich verliebt habe und die ich weiterhin mit anderen Bekleidungsmarken zusammenarbeite. Es ist ein aufregendes Gefühl, sich in seine eigene Kunst zu kleiden. Ich hatte die Möglichkeit, Melbourne zu besuchen und das gesamte Team kennenzulernen, das dies möglich gemacht hat, und die Geschäfte mit meinem Namen an den Schaufenstern zu sehen. Ich fühlte mich sehr respektiert und wertgeschätzt. Diese Zusammenarbeit öffnete die Türen für viele andere.

Wie gehen Sie Kooperationen an?
Wenn ich für Kooperationen arbeite, unabhängig vom zu behandelnden Produkt, beginnt alles mit meiner bisherigen Arbeit. Bevor ich anfange, fordere ich meine Kunden auf, meine Arbeit zu überprüfen, da ich mich auf unterschiedliche Weise ausdrücke, und schicke mir die Werke, die sie am meisten begeistern. Und dann fange ich an, mit dieser Basis zu arbeiten, dann schicke ich ihnen die Vorschläge und so kommen wir einem gemeinsamen Ergebnis näher. Ein Teil meiner Arbeit besteht darin, zu kreieren, um zu zeigen, was ich kann.
Alle meine Projekte sind eng mit meiner Fantasie verbunden, daher ist es für mich nicht viel anders, sie in jedem Format anzuwenden.

Bei der Verpackung sticht die limitierte Auflage des Torres Brandy Jaime I hervor, deren Gehäuse der Farbe des Fasses nachempfunden ist, in dem der Brandy reift. Können Sie uns etwas über diese Zusammenarbeit erzählen?
Die Zusammenarbeit für Torres Brandy war aufgrund der Absicht und des Formats ein sehr interessanter Auftrag. Dass eine renommierte Marke aktive Künstler hervorhebt, ist für beide Seiten eine sehr erfreuliche Aktion. Da ich gerne male, war ich sofort begeistert, als mir erklärt wurde, dass die Herausforderung darin besteht, ein Fass zu bemalen. Da ich wusste, dass ich Teil einer besonderen Sammlung vieler anderer Künstler sein würde, zögerte ich nicht, mich dem Projekt anzuschließen .
Um mich inspirieren zu lassen, nahm ich an einer Führung durch ihre Einrichtungen teil und sie erklärten mir ausführlich den gesamten Prozess der Herstellung von Jaume I-Brandy, eine Arbeit, die Geduld und Zeit erfordert.
Das erste, was ich sah, waren die Weinberge, die Erde und ihre Beschaffenheit, die Trauben und ihre Formen, eine Ameise, die meinen Weg kreuzte ... Normalerweise achte ich auf solche Details. Wie die Textur des Holzes im Fass, der Brandy und seine Farbe, die Reflexe in einer so besonderen Flasche mit Kurven und Wendungen. Aber es gab etwas, das uns besonders verband: die Zeit. Um diesen Torres-Brandy herzustellen, braucht man Zeit, Ausdauer und einen Ort, an dem man ihn verwöhnen kann. Aus diesem Grund erscheint in meiner Interpretation die Sanduhr, die Leiter als Symbol der Anstrengung und ein Schloss, ein geschlossener Ort für die Herstellung. All diese Elemente sowie die Texturen und die Weinberge sind in meiner Arbeit für Torres miteinander verknüpft.

Haben Sie andere Verpackungsarbeiten durchgeführt? Er würde gerne?
Ich habe kürzlich mit der amerikanischen Marke Jaime Makeup zusammengearbeitet, um einige Augenkonturpflaster zu verpacken. Der Vorschlag war sehr interessant, da er das Gehäuse und die dazugehörige Box entworfen hat. Darüber hinaus hatten sie bereits für andere Produkte mit einem Illustrator zusammengearbeitet und respektierten meinen Stil sehr. Ich für meinen Teil habe mit der Farbpalette ihres Unternehmens gearbeitet. Eine Sprache, die ich verstehe, die von Marken und Branding, denn meine Ausbildung als Grafikerin ermöglicht es mir, meine Kunst organisch und so anzuwenden, dass sie zur Marke passt.
Ich liebe es, diese Art von Zusammenarbeit aufzubauen. Es bereichert mich, dass sich meine Kunst an verschiedene Formate anpasst, sei es Verpackung, Textilien oder ein anderes Angebot. Am Ende hängt ein Gemälde an der Wand. Durch Kooperationen kann man ein größeres Publikum erreichen und aus der Monotonie herauskommen.

Was sind deine nächsten Projekte?
Ich habe ein Projekt, für dessen Verwirklichung ich die Daumen drücke, weil es mich glücklich machen würde, aber ich kann noch nicht darüber sprechen. Wir haben das Jahr gerade erst begonnen und es gibt bereits Vorschläge, aber im Moment handelt es sich um Kooperationen, die noch nicht abgeschlossen sind. Wie ich bereits erwähnte, werde ich mich in der Zwischenzeit auf meine Einzelausstellung und die Entwicklung eines wichtigen Werkkomplexes konzentrieren, um über die zufällige Tatsache der Begegnung zu sprechen, nicht zwischen Menschen, sondern zwischen Menschen und Dingen, wie Objekte Ihre Umgebung beeinflussen.